terça-feira, 25 de setembro de 2012

Chris Garneau - "Fireflies"

It is easy to perceive Chris Garneau's new record El Radio as a dramatic seasonal change, an event horizon, perhaps a carnival or even a birthday. It's that way for the best of records: the ones that change from pieces of plastic and wax into something that penetrate the heart and the mind. There's a twinkle in the eye of this young Brooklyn songwriter and more than a bit of magic in that vulnerable yet brave voice of his, floating above us all yet tethered by the silky strands of the songs themselves.
Chris' debut album Music For Tourists (2007) was sad and sparse and gorgeous, drawing inspiration from Chris' own life for its subject matter. The album found its audience like a migrating colony of butterflies and every week since the album's release, thirty, fifty, hundreds of people have captured it or perhaps been captured by it. When a record finds its audience in this way and those butterflies flutter brightly in all directions and you start seeing blog posts (outside the so-called sphere) and tweets and interview mentions that say, 'one of my favorite singers, Chris Garneau', well, it's more satisfying and real and special. In the summer and autumn months that followed, Garneau and friends piled into a van with as many instruments as they could fit and traveled north to New Hampshire to begin creating El Radio.
Surrounded by the simplicity of lake and mountains, the intricate process of making an utterly organic record began. The result exceeds all expectations. A rich harmonium and a wave of strings opens the album in "The Leaving Song". Chris describes loss of life as standing in the desert on a warm spring day. A hummingbird lands in the palm of his hand. When it flies off, the metaphor in the song is born. "You have to let them leave and pretend like you don't want to go with them, and you have to pretend this forever," he says. The album's genesis also parallels Garneau's perspective as a songwriter as El Radio sees him draw lyrically from sources outside himself and his own experiences to those of other characters, both real and imaginary.
There is still a poignant melancholy and bold sincerity that permeates all of Garneau's music, but those qualities are augmented by a playfulness in his melodies and arrangements. You can hear examples of this in the sublime retro-pop of "Fireflies", the album's incredibly catchy standout first single "No More Pirates", and the deceptively upbeat and Baroque-styled "Dirty Night Clowns" (a song inspired by a true life tale of a child molesting dwarf who would sneak into homes in the dark of night dressed as a clown). Garneau's extensive cast of characters unavoidably comment on the social and political forces that pull us unpredictably through time while rollicking to the rhythms of an organ grinder.
Countering these plays on life, the ever literal "Hands on the Radio" expresses the nostalgia, empathy and embrace for Juarez, Mexico - a border city fraught with the great despair of its infamy, the unsolved murders of hundreds of women, while remaining a rapidly growing metropolis filled with hope. And "Hometown Girls" is an anthem to an American archetype, in which Garneau watches tumbleweeds blow over the lives of girls whom he wishes we loved more.
This volley of the violent and the whimsical, the sweet and the sinister, the carnival and the funeral, plays throughout the album.
Broadcasting was originally a gardening term referring to the scattering of seeds. This shining new record, El Radio, is a thirteen-song radio station that will transmit its seeds all over the planet. Hear them grow.

PEE - Carmen's Theme

The album which started it all. P.E.E. (formerly Pee and occasionally Miracle Research Center Staff) were an unbelievable San Francisco quartet who took a few cues from Heavy Vegetable and ran and ran and ran. 1997's The Roaring Mechanism, the first Absolutely Kosher Record, was huge leap outside the lines drawn on their 1995 debut Now More Charm and More Tender (March). They traded in some of the instant infectiousness for a record that just gets better as time goes on. Skewed pop, math pop, grind pop, call it what you will, they should have been famous. Led by guitarists/vocalists Jim Stanley (whose guitar work here is not to be believed) and Kelly Green (whose vocal harmonies together rivaled HV's) with Tiber Scheer (lowercase) on bass and the inimitable Andee Connors (A Minor Forest) on drums. Includes "I Can't Wait Til I Get Rickets," "Carmen's Theme" and "Ed Is 50." (AK001)

Himalayan Bear - December Rain

On "Hard Times," the third album from Victoria, BC’s Himalayan Bear aka Ryan Beattie exhibits an indisputable level of ingenuity, a fetish for reverb and a voice that is as delicate as it is potent. Beattie may be best known as the front man of Chet or the guitarist of Frog Eyes, but he started making records in his early teens and has amassed a large catalog over the nearly two decades since. It’s his solo project Himalayan Bear which best shows his inimitable talent and remarkable voice, and "Hard Times" is his finest effort to date. "Hard Times" will be released on August 2nd, 2011 by Absolutely Kosher Records.
Much of the album hinges on tension and desperation, but his years of experience show in a subtle guarded confidence throughout the album’s seven tracks. Though the songs may inspire a deep loneliness, Beattie certainly wasn’t alone in the recording process. The chosen studio, The Last Resort, proved to be a social hub of the Victoria scene which allowed for brainstorming, last minute additions and a casual, but creative environment for the album to develop in. Instrumentation ranging from lap steel to trumpet to double bass all made their way on to the record, sometimes acting to ground Beattie’s vocals on tracks such as "Half Wit Son," but also at times drawing the listener into Beattie’s world on tracks like "Man of Fire."
"Hard Times" finds Beattie once again exercising his unbridled ability to take his listeners to an emotional breaking point, only to release his lyrical grip and lead them to another region of consciousness through a song by song lineage that is as beautiful as it is merciless. The listener is given full allowance to bear witness to sounds that may resemble the slow jubilation of a lazy tropical contentment or a foreboding acceptance of a hypothermic state where the brain tells a freezing body that everything is just fine. This is the true power of Beattie’s words and arrangements; his merits lie solely in his restraint, wavering on a threshold that can lift the heart one minute only to break it the next. "Hard Times" is a stunning album, a modern take on the old crooners of the 1950’s, a strange blue light cast on records played in the dark, a blood stain on a poodle skirt, evocative but clearly not nostalgic. Beattie finds the hollows of our hearts and fills them with sound.
"Hard Times" is the first international release for Himalayan Bear, following Canadian releases of "Lo Lonesome Island" (2005) and "...Attacks The Brilliant Air" (2007). He plans to tour in support of his Himalayan Bear pursuits for the next period of his musical life.

Adanowsky - Dime Cuando

No quiero saber
Con quien te fuiste
No quiero saber
A quien te diste

Si no me quieres más
Me muero
No me digas que te vas
Te lo ruego

Dime cuando volverás
Dime si me amaras
Dime cuando…

Como te puedo dar
Lo que tú sueñas
Si no me dejas ser
El que deseas

Dime que ocurrió
Entre nosotros
Tu corazón se me cerró
Dime como…

Dime cuando volverás
Dime si me amaras
Dime cuando…


Bonnie "Prince" Billy & The Cairo Gang - The Sounds Are Always Begging

St. Vicent - The Strangers

segunda-feira, 24 de setembro de 2012

Os cinco melhores álbuns de sempre - n.º 1

1.º David Bowie – “The Man Who Sold The World”
Escrever sob aquele que se considera o melhor álbum de pop-rock de todos os tempos não é tarefa fácil, chegar a esta conclusão é ainda mais difícil, mas só não o é para quem não o escutou atentamente. David Bowie em 1970 resolveu dizer ao mundo que estava disposto a marcar de forma inquestionável a história da música e fê-lo com um disco soberbo de criatividade, energia de quem quer mostrar em plenitude a sua vocação para nos maravilhar com múltiplas personagens e sonoridades. O que torna este álbum tão especial? Ele incorpora o melhor da música do seu tempo, consegue-se saborear o psicadelismo de Pink Floyd, que Bowie era grande admirador, a sonância de Led Zeplling, timbre de Deep Purple e porque não falar também da loucura de Electic Ligth Orquestra e T- Rex, ou a consistência de Genisis, tudo num pacote elevadamente interpolado com os melhores sons que escorriam do outro lado do Atlântico tal como Doors (o enfâse da teatralidade da interpretação de Bowie só encontra par em Jim Morison) e numa tentativa de encontrar um caminho próprio na música como fizeram os Velvet Underground. Não existem plágios rítmicos neste trabalho, mas sente-se influências de monstros de então aqui e alí em cada tema, o que ao invés de tornar este trabalho uma amalgama de estilos, eleva-o a obra de arte. Como diz Bowie num dos temas deste trabalho “…dizem que a vista é maravilhosa, mas podes adoptar um outro ponto de vista…”. De facto foi o que ele fez, estava alerta para o melhor que fazia, mas adoptou uma nova forma de o fazer, personalizou em ele próprio o que o Mundo precisava de ouvir e ver. Sim porque a marca de Bowie extravasou o conceito de cantor ou músico. Bowie elevou-se ao criar um estilo de arte próprio. Se talvez Bowie não tenha vendido o mundo, talvez o mundo tenha adquirido Bowie e elevou-o ao estatuto de artista mais criativo de sempre. Na história da música existe o período AB e o PB. Talvez por isso digam que este disco é o primeiro disco da história do glam rock, Glam de Glamour, penso que esta definição ficaria deficitária para a história da música apenas pelas performances com trajes de mulher e pestanas postiças, purpurinas, saltos altos, batons, lantejoulas, cremes de noite e vestuários elétricos dos cantores. Eram os tempos da androginia e do glamour e suas músicas agitadas de rock n’ roll esbanjavam energia carnal, mas ao mesmo tempo cantava-se um novo homem. Cantava-se Jean Paul-Sarte, Franz Kafka e Friedrich Nietzsch, para os jovens um novo lema tinha sido estabelecido: “O depois de amanhã pertence-me ", pois tinha adoptado através da música que não queriam jamais voltar a viver como os seus antepassados.
Cantou Bowie que:
“I thought you died alone, a long long time ago”, para mim este álbum nunca morrerá é antes e tudo farei para a disseminar a maior celebração que o pop-rock já conheceu de tal modo que conseguiria colocar, mesmo que um Super- Deus, a chorar:
“Far out in the red-sky
Far out from the sad eyes
Strange, mad celebration
So softly a supergod cries”

Os cinco melhores álbuns de sempre - N.º 2

2.º The Beatles – “The White Album”
Normalmente o pessoal que elabora as listas é muito pouco permissivo a mudanças. Dizem que este ou aquele é o melhor de sempre e pronto, nunca mais se muda o top 50. Existe uma enorme tendência em afirmar sempre que se pergunta qual o melhor álbum de sempre e a resposta pronta, afinada e politicamente correta é: “Sem dúvida o Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band!!!” Como se fosse um enorme sacrilégio enunciar um outro qualquer nome, que não seja Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.” É sem dúvida um belíssimo trabalho, mas não é o melhor dos Beatles e muito menos o melhor de sempre ( a seu tempo será revelado…lolol, como se a opinião aqui do signatário fosse importante, mas continuemos…), o The White Álbum, é o décimo trabalho dos Beatles e penso que consegue incorporar de maneira perfeita o som pop agradável os Beatles e o experimentalismo. Uma manifestação absoluta de criatividade numa banda que estava a começar a saturar-se de cantar mais do mesmo. Para se reinventarem os quatro fabulosos de Liverpol, foram para a India inspirar e afastar-se da enorme pressão que tinham em terras Europeia. Tal foi a safra, que para além da lista de composições que integram o White Album, foram gravadas como DEMO, mas não fizeram parte desse álbum. Algumas delas: "Mean Mr. Mustard" e "Polythene Pam" (Ambas presentes no disco Abbey Road), "Child of Nature" que mais tarde se transformou em "Jealous Guy" do disco Imagine de John Lennon, e "What’s the New Mary Jane". "The Long and Winding Road" de McCartney presente no disco Let It Be, "Jubille" que se tornou "Junk" no primeiro LP solo de Paul McCartney, "Etcetera" de McCartney gravada por Black Dyke Mills Band como"Thingumybob", "Circles" e "Not Guilty" de George Harrison que só foi grava-la em 1982 no disco Gone Troppo, "Something" mais tarde em Abbey Road e "Sour Milk Sea" que Harrison deu a um amigo que era artista da Apple Inc. na época, Jackie Lomax, para o seu primeiro LP, Is This What You Want. Ou seja só os referidos temas que ficaram de lado, dariam para fazer um dos melhores álbuns de sempre. O que é mais fascinante no White Album é a mestria dos Beatles em conseguir manter o seu “som” mas misturando-o com o melhor que se ouvia naqueles anos. Em este álbum nota-se claramente aqui e alí saudáveis referências quer a Roling Stones. quer a Beach Boys, os tais que empreendiam retirar a coroa real aos reis da pop, conseguindo ainda a proeza de transformar o White Album na charneira entre o som da pop inocente, num registo mais complexo como que a dizer, estamos preparados para o que aí vem. Lennon disse acerca do período em que esteve na Índia a escrever este disco tempos depois: "Eu escrevi minhas melhores músicas lá." Concordo contigo amigo Lennon!

sexta-feira, 21 de setembro de 2012

Madredeus - A Sombra

Já foi em 1987...

Os Cinco Melhores Álbuns de Sempre - n.º 3

3.º - Tindersticks - “Tindersticks (II)” – 1995
Tindersticks é uma banda de Nottingham, Inglaterra, criada em 1991, “capitaneada” pela distintiva voz de Stuart Staples. As suas músicas são um misto de taciturnidade e beleza embaladas por complexadamente simples arranjos musicais. Este é o álbum que todas as bandas gostariam de fazer um dia. De tal modo que se repararem bem na discografia de Tindersticks este disco é o segundo da banda a enunciar o seu nome. E porquê a banda que já tinha o primeiro disco com o seu nome achou, e bem diga-se, que seria este a fazer jus ao seu nome. Já os vi três vezes ao vivo em concertos intimistas, sem ser no meio de festivais e garanto que é uma experiência sempre a repetir, quer venham acompanhados de uma dezena de violinos violoncelos e afins, ou apenas com os instrumentos tradicionais de uma banda pop-rock. “Tindersticks (II)” é o disco perfeito para se ouvir às escuras acompanhado de um bom copo de vinho e de mais alguém que o sinta. É o único disco que conheço em que se consegue o escutar com mais alguém, sem interromper, pois cada nota ou repetição da mesma, faz parte de um desígnio maior. É como comtemplar uma obra de Miguel Ângelo, é preciso apreciar o todo, pois por mais que sejam bonitas e agradáveis cada uma das suas partes, o desígnio do todo é maior que a soma das partes. E reparem que os Tindersticks conseguem fazer esta obra-prima mesmo que usando um humor negro em cada uma das suas letras. Em resumo um álbum que cativa da primeira à última faixa e ao mesmo tempo consegue ser brilhante e calculista, negro e melodioso. Um disco que foi certamente abençoado por Deus, com “El Diablo en el Ojo”.

segunda-feira, 17 de setembro de 2012

Space - Air Force

The Hidden Cameras - Death of a Tune

Diamanda Galas - Gloomy Sunday

Sadly one Sunday
I waited and waited
With flowers in my arms
All the dream has created
I waited 'til dreams,
Like my heart, were all broken
The flowers were all dead
And the words were unspoken
The grief that I know
Was beyond all consoling
The beat of my heart
Was a bell that was tolling

Saddest of Sundays

Then came a Sunday
When you came to find me
They bore me to church
And I left you behind me
My eyes could not see
What I wanted to love me
The earth and the flowers
Are forever above me
The bell tolled for me
And the wind whispered, "Never!"
But you I have loved
And I'll bless you forever

Last of all Sundays 

Calexico - "Fortune Teller"

domingo, 16 de setembro de 2012

Pixies - The Sad Punk

May Blitz - Smoking The Day Away (1970)

May Blitz foi um power trio britânico de heavy rock que esteve em atividade no começo da década de 1970.
O grupo foi formado em 1969 pelo baixista Terry Poole e o baterista Keith Baker, a "cozinha" do trio de blues-rock Bakerloo (ambos deixaram a banda quando Clem Clempson juntou-se ao Colosseum). Jamie Black juntou ao grupo nos vocais e guitarras, mas tanto Poole quanto Baker deixaram o grupo antes de ele gravar algo. Poole juntou-se ao Vinegar Joe e Baker ao Uriah Heep.[1] Black então adicinou o seu compatriota Reid Hudson no baixo e Tony Newman, que havia tocado com Jeff BeckThe Hollies e Sounds Incorporated, na bateria.
Após algum tempo tocando em pubs do Reino Unido, o grupo assinou um contrato com a Vertigo Records e lançou o seu álbum de estreia em 1970.[2] Um segundo álbum foi lançado no começo de 1971, mas o grupo não viu o sucesso rapidamente e decidiu encerrar as suas atividades no final de 1971. Black e Hudson, ambos nascidos no Canadá, voltaram ao seu país de origem, enquanto que Newman juntou-se ao Three Man Army.[2]

sábado, 15 de setembro de 2012

Os cinco melhores álbuns de sempre

5.º - Kraftwerk – “Trans-Europe Express”
A primeira e quase única vez que pedi dinheiro ao meu Pai para comprar o quer que fosse, foi precisamente este disco. E lá fui eu sozinho à Valentim de Carvalho que existia no Chiado, faz tantos anos que tenho vergonha de enunciar. Esse investimento de cerca de 200$00 revelou-se acertadíssimo, comprei e ainda hoje o tenho, um dos discos que mudou a história da música. Falar de Kraftwerk é para mim um dos temas preferidos, é uma das minhas bandas preferidas de todos os tempos, cheguei a ir a Dusseldorf, como cheguei a ir a Manchester (escuso de referir porquê os mais atentos saberão) para conhecer o seu berço. Para tentar perceber porque é que naquela cidade surgiu um dos movimentos experimentalistas (KrautRock), no qual KraftwerK é o seu expoente máximo, que mais contribui para a evolução da música moderna, nomeadamente a independente (hoje indie). Poderia estar aqui horas as escrever nomes de bandas que foram influenciadas e que continuam a ser por KraftwerK e pelo movimento krautrock, mas o mais importante é tentar transmitir, a circunstância de ser um mundo de agradáveis sensações a desvendar para aqueles que gostam de música. Apenas uma nota final nesta introdução, para alguns será inflamatória, para outros não: - Nem os Beatles conseguiram modificar, pela sua influência, a música como os KraftwerK.
Porquê “Trans – Europe Express” – Neste trabalho os talentosos KraftwerK para além de fazerem música como até então antes nunca alguém tinha tentado fazer, conseguiram efectuar um álbum melodioso, em que falam da Europa do seu tempo e da Europa que esperam encontrar no futuro. Falam de pessoas, que vivem como manequins, despidas de valores, que se preocupam apenas com o aspecto e o aspecto dos outros, fazem uma maravilhosa imagem pela Europa “Interminável”, onde descobrem em Berlim David Bowie e Iggy Pop a absorverem o melhor do que na Alemanha se desbravava em termos musicais. Cantam sobre salas de espelhos reveladores dos escondidos medos de quem neles se vê. Fazem tudo isto, sem letras compridas, antes com frases-ideias. Com pouco dizem muito e ainda conseguem a final do álbum fazer uma homenagem a Franz Shubert, talvez porque se sentissem como ele sentiu durante a sua vida, mais um artista incompreendido pelos seus contemporâneos", sem reconhecimento público. Em analogia com os Kraftwerk, hoje, o estilo de Shubert é considerado por muitos como imaginativo, lírico e melódico, fá-lo ser considerado um dos maiores compositores do século XIX, marcando a passagem do estilo clássico para o romântico, tal como os Kraftwerk marcaram a passagem da entoação Pop, para a “melodia automática humana.” Kraftwerk é muito mais que homens a fingir que são robôs, Kraftwerk são homens que depuraram as canções até à sua mais ínfima parte. Kraftwerk é kraftwerk, antes e depois, mais ninguém fizeram música como eles.
·         Este apontamento não foi totalmente revisto, peço desculpa pelas gralhas e outros atropelos que possa ter, prometo que irei depurar o mesmo toda essa bicheza assim que tiver um pouco mais de tempo ou paciência.

sexta-feira, 14 de setembro de 2012

Devendra Banhart - Little yellow spider

One, two, three, four

Little yellow spider, laughing at the snow
Well maybe that spider knows something that I don't know
'Cause I'm goddamn cold

Little white monkey, staring at the sand
Well, maybe that monkey figured out something I couldn't understand
Who knows?

Well, I came upon a dancing crab, and I stopped to watch it shake
I said, "Dance for me just one more time
Before you hibernate and you come out a crab cake"

And hey there, little snapping turtle, snapping at a shell
Ah, there's mysteries inside, I know
But what they are I just can't tell for sure

And hey ya, little baby crow, you're looking kind of mean
I think I oughta spit before you start letting off your steam
For sure

And hey there, little sexy pig, you mated it with a man
And now you're got a little kid with hooves instead of hands

And oh, all of the animals
All of the animals

And hey there, little mockingbird, they sing about you in songs
Ah, where you been? Have you broke a wing?
I haven't heard you in so long

And hey there, little albatross, swimming in the air
Ah c'mon, you know I can't fly
And I, I think we really oughta play fair

And hey there, Mr. happy squid, you move so psychadelically
You hypnotize with your magic dance all the animals in the sea
For sure

And oh, all of the animals
All of the animals

And hey there, Mr. morning sun, what kind of creature are you?
I can't stare, but I know you're there
Goddamn, how I wish I knew

And hey there, Mrs. lovely moon, you're lonely and you're blue
It's kind of strange, the way you change
But then again, we all do too

domingo, 9 de setembro de 2012

James Brown - Papa's got a brand new bag

Onde se terá inspirado prince???

Novalis - Vieleicht bin ich ein Clown

Neu! - Hero

Neu! (alemão: "Novo") foi uma banda alemã de rock, um dos maiores expoentes do Krautrock. Foi formada em 1971, em Düsseldorf, por Michael Rother e Klaus Dinger após os dois terem participado da banda alemã Kraftwerk. A história dos Neu! é feita de separações e reuniões, álbum após álbum. O último trabalho gravado foi Neu! 4, durante a década de 1980, mas apenas em 1996 o álbum foi editado. Apesar de pouco sucesso comercial, a banda é creditada como influência por diversos grupos de artistas, comoPiLJoy DivisionNew OrderDavid BowieStereolabGary NumanUltravox e Simple Minds.

O Neu! foi formado em 1971 em Düsseldorf como uma variação de uma das formações de outra banda de krautrockKraftwerk, cujos primeiros trabalhos também foram produzidos por Conny Plank.
O baterista Klaus Dinger reuniu-se ao Kraftwerk durante as sessões de gravação do álbum debut. O guitarrista Michael Rother foi então recrutado para a banda para o término do álbum. O fundador do Kraftwerk Ralf Hütter deixou a banda nesse momento, e por seis meses a bana consistia de Rother, Dinger e Florian Schneider, uma formação que apresentava-se esporadicamente e que realizava aparições na televisão no programa alemão Beat Club.
primeiro e homônimo álbum foi lançado em 1972 e vendeu pouco, mas atualmente é citado por diversos artistas como uma referência. Já o segundo álbum Neu! 2 apresenta alguns dos primeiros exemplos de remixes. Empolgados para gravar outro álbum, os integrantes decidiram comprar diversos instrumentos musicais. Com o capital investido pela gravadora eles puderam gravar somente metade do material para um álbum. A empresa não queria aumentar a verba pois as vendas do primeiro álbum não haviam sido boas. Para preencher a falta de material, a banda compôs o segundo lado do álbum com versões manipuladas de seu compacto já lançado, "Neuschnee"/"Super". A canção "Super 16," tornou-se tema do filme de artes marciais de 1976 Master of the Flying Guillotine, de Jimmy Wang Yu. O filme foi posteriormente referenciado por Quentin Tarantino em Kill Bill, também apresentando a canção.
Dinger e Rother eram muito diferentes quando não criavam material juntos, o que influenciou o próximo álbum do grupo, Neu! '75. Um dos lados continha produções de Rother influenciadas pela música ambiente, enquanto segundo tornou-se posteriormente uma influência para a cena punk rock britânica. A banda terminou após o lançamento desse álbum.
Entre outubro de 1985 e abril de 1986, Dinger e Rother voltaram e tentaram adicionar mais sintetizadores e um aspecto mais comercial às canções. Conny Plank faleceu em 1987. Dinger e Rother não trabalharam juntos até a década de 1990, existindo certa acidez entre os dois, parcialmente devido ao lançamento de Dinger de material do Neu! sem conhecimento ou consentimento de Rother, através da Captain Trip Records. No final de 1995 essa gravadora lançou as sessões de gravação de Neu! 4, entre 1985 e 1986. Também lnaçou Neu! '72 Live in Dusseldorf (gravado em 6 de maio de 1972).
Um álbum de tributo ao Neu! foi lançado em 1999A Homage to NEU! (Cleopatra Records), contando com versões executadas por artistas como Legendary Pink DotsDownload,AutechreDead Voices On AirKhanSunroofSystem 7 e James Plotkin.
Os direitos do catálogo da banda são conjuntos de Rother, Dinger e Christa Fast, esta, viúva de Plank. Entretanto, por muito anos existiu desentendimento entre Rother e Dinger no licenciamento para tornar a música da banda disponível em CD. A situação foi resolvida em 2001, quando a dupla entrou em estúdio para transferir os álbuns clássicos da banda para CD. A obra foi lançada pela Grönland Records no Reino Unido.

Tea Company - Flowers (Longplay 1968)

Álbum "Come And Have Some Tea" -1968-

The group, who were originally called The Lip-Tin Tea Company, came from Queens, N.Y. and evolved out of The Naturals. They played mostly in New York City, Long Island, New Jersey and Connecticut.
The Tea Company were one of the early birds from the US psychedelic underground scene.Originally released on Smash Records, in '68. This album stands for the evolution of the 45 rpm psych-garage bands to the upcoming LP-generation with extended improvisation parts. Tea Company evolved from the Naturals, which were founded in 1963 and played the big ballroom supporting Mamas and the Papas, The Lovin' Spoonful, Bob Dylan, Ritchie Havens, and many others. The band describes themselves as an assemblage of possessed rock performers; retinue preparing the unusual; alternating with the roots of soul whose purpose is to cause sensation, due to stimulation of the auditory centers of the brain!.They became famous in San Francisco for spectacular live shows and lyrical hippie statements. The music is influenced by the Beatles, because they used exactly the same equipment. The group played with lots of freaked-out-echo-organ/-guitar noises on a 12 string Rickenbacher and various stereo madness reminds strongly of Syd Barrett´s spirit but more driven by hard hittin´ drums. Being buddies of Vanilla Fudge and inspired, the Tea Company also did an outrageous 9 min. version of "You keep me hangin on", which is celebrated among 60s collectors as a true milestone.

From New York City, The Tea Company was one of the early birds from the US psychedelic underground scene, with an LP on the market, originally released on Smash Records, in '68. This album stands for the evolution of the 45 rpm psych-garage bands to the upcoming LP-generation with extended improvisation parts. Tea Company evolved from the Naturals, which were founded in 1963 and played the big ballroom supporting Mamas and the Papas, The Lovin Spoonful, Bob Dylan, Ritchie Havens, and many others. The band describes themselves as "an assemblage of possessed rock performers; retinue preparing the unusual; alternating with the roots of soul.whose purpose is to cause sensation, due to stimulation of the auditory centers of the brain!" - They became famous in San Francisco for spectacular live shows and lyrical hippie statements. The music is influenced by the Beatles, because they used exactly the same equipment. The group played with lots of freaked-out-echo-organ/-guitar noises on a 12 string Rickenbacher and various stereo madness reminds strongly of Syd Barretts spirit but more driven by hard hittin drums.

*FRANKIE CARRETTA - gtr, ld vcls
*MIKE LASSANDO - drms, backing vcls
*JOHN VANCHO - bs, backing vcls
*AL VERTUCCI - gtr, ld/backing vcls

The Young Gods - "Acid Strangel"

The Trash Can Sinatras - Only Tongue Can Tell

Tom Zé - Não Tenha Ódio No Verão

É considerado uma das figuras mais originais da música popular brasileira, tendo participado ativamente do movimento musical conhecido como Tropicália nos anos 1960 e se tornado uma voz alternativa influente no cenário musical do Brasil. A partir da década de 1990 também passou a gozar de notoriedade internacional, especialmente devido à intervenção do músico David Byrne. Este ano lançou o excelente trabalho Tropicália Lixo Lógico, ao qual a crítica não ficou indiferente considerando este um dos melhores trabalhos de música brasileira dos últimos tempos.

electrafixion - sister pain

depois de McCulloch abandonar os Echo and the Bunnymen e trabalhar a solo em dois álbuns menores, em 1994, McCulloch forma os Electrafixion com Will Sergeant. Uma banda a descobrir..